Danilo Caravà, Autore presso Il Teatrante

Angiulina la Mula – Recensione teatro

Pubblicato il 8 Aprile 20238 Aprile 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Angiulina la Mula

Nell’ambito della rassegna Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Angiulina la Mula, un monologo dal sapore testoriano e ruzantiano, scritto e interpretato da Rossella Raimondi.

E’ una reine, una regina, la protagonista di questo spettacolo: un’attempata sovrana, seduta su una comoda, così come l’avrebbe declinata Testori. Una donna rimasta sola a tirare sassate contro il cielo, a dialogare con gli dei dell’antica tragedia, diventati, qui, il variegato pantheon dei santi cattolici. Un grammelot col sapore della sbrisolona, o di certi salami mantovani (fatti quasi apposta per ricordarti, nietzschianamente, che siamo un po’ meno divinità per colpa del bassoventre) accompagna lo spettatore nel sentiero monologante di questa Molly joyciana, che si è rotta l’anima, e si è spaccata la schiena, per tutti i sì che ha pronunciato. Eccola qui una novella, brechtiana, Madre Coraggio, che cerca di sopravvivere, insieme alla sua prole, in mezzo alla guerra perpetua dell’esistenza. La sua voce viene direttamente dalla terra, rubando il suono blobbeggiante di certe polente, cotte a fuoco lento nei paioli di rame.

E’ una pianta umana, ostinata, che ha messo radici nella terra più difficile, come la ginestra di Leopardi. Rappresenta una sorta di Calibano al femminile, costretto a una forzata immobilità, che si deve inventare da solo le magie di un Prospero parecchio latitante e discutibile. Ma, prima di ogni altra cosa, sulla retina della platea si imprime l’immagine di una bocca, una bocca rossa, carnosa, che sembra uscita da un quadro di Ensor, sì, di un pittore espressionista: una bocca che ha tanto di quel vento dionisiaco da soffiare, in grado di scuotere anche lo spettatore più inerte. Si mettono le mani nella terra dei fonemi, ci si sporca le dita, ed è bellissimo tutto questo. Ci immergiamo nel ventre stesso di una madre archetipica, nel suo sentire più profondo, autentico, sincero. Ancora è la carne a vincere la partita, con ragioni che l’anima non conosce.

Anzi, quest’ultima può vivere attraverso squarci di luce, nel racconto della fatica, dello strazio, di una Mula che si è portata il peso del suo mondo sulle spalle. La sua ira, la sua voglia di revanche, non ha niente da invidiare a quella del Pelide Achille, o di altri eroi omerici. L’eroina tragica, invecchiata, portata fuori dalla reggia e catapultata tra noi, sarebbe esattamente così, senza freni inibitori, senza auliche sordine testuali. Ma sa anche esprimere la più alta e struggente poesia quando impara il gesto della carezza, quando trasforma in un’ala d’angelo la sua mano callosa, ruvida. E poi c’è quella tematica scatologica, quella merdra di Jarry che ritorna, come una sorta di ribellione, di vessillo rivoluzionario, originato dalle cose più basse; una fissazione freudiana diventa la riuscita metafora di un’anima costipata, che non vede l’ora di liberarsi, applicando quella necessità igienica del raccontare, teorizzata da Svevo.

La drammaturgia rispecchia l’accurata stenografia di un flusso di coscienza, di un’affascinante incontro, e sintesi, tra Aristofane e Euripide. Questo parlamento di una femminile Ruzante, che iera vegnù de campo, arriva direttamente nelle viscere dello spettatore, le scuote ben bene, e arrossa le gote come certi vini rustici che, già al secondo bicchiere, ti fanno sentire la testa leggera. Rossella Raimondi è una fedele, convinta, sacerdotessa di Dioniso: vibra ed è scossa da ogni fonema, non tralascia, non trascura, alcuna emozione. Esprime un Hamm beckettiano e il suo finale di partita, e trasforma il suo dire in Clov, nella parte perennemente in piedi e in movimento. Ha, del giullare, la vocazione al racconto vero, vivido, in prima persona; racconto costruito con una lingua che sa non solo adattarsi alle emozioni da esprimere, ma è in grado di far sentire l’odore, persino il sapore, di questi sussulti interiori.

Non si limita a dire una vita, ma lo è, in tutta la sua verità, in tutti gli aspetti, dai più bassi ai più alti. Rende le braccia scenografia, palcoscenico: due creature dotate di vita propria, in grado di farsi altrettanti personaggi. E come riesce a muovere, ad agitare le parole, trasformandole in una frusta, il cui segno brucia tremendamente sull’anima. I suoi J’accuse, la sua immediata concezione di vita, di un Sisifo stufo di portare lo stesso sasso avanti e indietro, valgono quanto un intero trattato di filosofia esistenziale. Di nuovo, fatalmente, ritorna Testori, col rinnovarsi della storia dell’ennesimo martire, della santa apocrifa, che rovescia tutto, coi piedi sporchi dei santi caravaggeschi: umana al massimo grado. La scena si colora di blu, per un mare evocato che si mescola con il rosso, e con la luce dei fari.

Si realizza un perfetto tableau vivant; quadro, insieme baconiano e rinascimentale, di una perfetta contraddizione, che è la vita stessa. E la catarsi è sempre lì ad attendere la protagonista, nell’agognata deiezione, rovesciamento surreale, irrispettoso della purificazione della tragedia, come solo un Aristofane, un Plauto potevano ideare. In coda al racconto, accade che il rifiuto organico diventi l’offerta luminosa e numinosa di un essere unico e speciale, che sa, come De André, che dai diamanti non nasce niente, e dal letame nascono i fiori. Questo è l’ultimo dono scomodo che la carne può fare a se stessa e al mondo, svuotandosi le viscere, diventando quella sorta di corpo inorganico teorizzato da Artaud; mummia eterna, soggetto poetico, in grado di trovare la luce della poesia persino nella padella destinata a fertilizzare quella stessa terra di cui è fatta questa meravigliosa Mula, che si merita tutti, ma proprio tutti, gli applausi generosamente tributati.

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Incontrando il signor G. – Recensione Teatro

Pubblicato il 23 Marzo 202323 Marzo 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Incontrando il signor G.

Nell’ambito della rassegna Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Incontrando il signor G. L’omaggio all’originale, e unico, teatro-canzone di Gaber è portato in scena da Enrico Ballardini e Riccardo Dell’Orfano.

Ci vogliono due polmoni speciali, per portare in scena il signor G; anzi, occorre anche un diaframma che si gonfi di generoso vento interpretativo, come a condurre un veliero. Sì, perché Gaber va oltre Brecht, e crea uno sprechgesang tutto suo, un meticciato unico e incredibile tra parola e canzone, tra prosa e poesia. E i protagonisti di questo spettacolo hanno tutte le carte in regola per vincere questa sfida. Come i due legionari del De bello gallico, si danno la mano l’un altro, si sostengono a vicenda, si passano la palla verbale come fantasisti brasiliani, maestri nel gioco carioca. E, sin dalle prime battute, in platea si ha l’impressione di bere un vino forte, tannico, corposo, uno di quelli che ti scaldano subito le guance, il cuore, la testa. Mettono entrambi l’anima, e tutta la loro carne, nell’interpretazione.

E questo fa, di gran lunga, la differenza. Dionisiaci per vocazione, apollinei al momento giusto, quando la carrettella teatrale deve arrivare in cima ed esitare un attimo, giusto prima di un meritato applauso. E poi, c’è la musica del signor G; anche qui, gli interpreti danno gran prova cantando nell’unico modo possibile, ossia con sincerità, e mettendo nella voce quella luce che va trovata giù, giù, nel fondo di ogni possibile intenzione. Una fisarmonica diventa tutto un mondo, un girotondo, una giravolta, un’intera sala da ballo gioiosa e chiassosa. Si presta meravigliosamente a raccontare le emozioni umane a tutte le latitudini, coprendo l’intero spettro cardiaco: dalla malinconia, alla risata piena, di pancia, divertita e goduta. Qui non si “deliba” uno spettacolo con forchettine, coltellini e posateria varia; qui, signore e signori, si mangia con le mani, si sente il gusto, si tocca, si percepisce.

Nel teatro più riuscito, come questo, avviene un particolare miracolo, per cui è come se ci fosse una sorta di ipoteca tattile, ovvero la possibilità che, prima o poi, l’interprete tocchi, letteralmente, lo spettatore (e anche questo accade). E’ unica e irripetibile la magia di questo spettacolo, in grado di farti sentire la carne, i corpi, prima ancora che possano, in qualche modo, sfiorarti. E, ancor più, è un miracolo il farsi cosa salda della parola, recitata e cantata, essa stessa interprete del corpo; cosa viva e vitale, pronta a esplodere, come una supernova, in faccia a ogni spettatore. L’operazione è più che riuscita, visto che riesce davvero a toccare gli atri ed i ventricoli del teatro-canzone di Gaber. Non si limitano ad imitarlo, a farne una copia fotostatica, un cliché stanco e ripetitivo; piuttosto, lo elettrificano con la loro interpretazione, lo innervano.

Lo riempiono di quello spirito caustico, satirico, mordente del signor G, che sapeva leggere la società, e l’individuo, con una capacità di penetrazione ineguagliata. E’ talmente entrato nell’immaginario collettivo, che è irrinunciabile, da parte del pubblico, unirsi al coro della canzone La libertà. A dimostrazione che la parola di Gaber ha il potere di risvegliare qualcosa, in noi, di sonnecchiante ma non intontito, pronto a rivitalizzarsi con gli stimoli giusti. Enrico Ballardini, col suo viso antico, la barba da eroe omerico e il fuoco nello sguardo, è in grado di mesmerizzare immediatamente la platea, e un suo gesto potrebbe essere la formula canonica dell’ipnotizzatore: a me gli occhi, please. Nuota, letteralmente, nel testo e nelle canzoni, e non ha paura di andare dove non si tocca, di bagnarsi, di sporcarsi di parole, di farsele risuonare dentro, di spremerle fino a coglierne l’ultima goccia di senso e di vitalità.

Con la chitarra blueseggiante, e una tastiera vintage moogheggiante, costruisce un tessuto sonoro, in grado di donare un valore aggiunto alle canzoni. Riccardo Dell’Orfano, come un guascone dal cuore buono, porta con semplicità il pennacchio cyranesco della sua recitazione; è un Sancho Panza illuminato da un senno speciale, un raisonneur rorido di emozioni. E la sua fisarmonica sembra il naturale prolungamento della sua stessa voce, di tutte quelle emozioni che non ci stanno nelle parole, ma sono immediatamente espresse sui tasti dello strumento. Entrambi respirano con il diaframma, quasi tamburi di guerra, e come respirano; sembrano voler inghiottire il mondo, per poi restituirlo tutto, insieme a loro stessi. La fronte bagnata di sudore, la fatica che si mostra sulle loro camicie, sono testimonianza di un impegno che non viene mai meno per l’intero spettacolo, di una generosità assoluta.

Tutte le cellule dell’interprete, biologiche o spirituali che siano, devono fare la loro parte, per la riuscita dello spettacolo. Tutto il corpo è strumento, anzi orchestra, in grado di aggiungere la propria voce a quella dei due attori. Questo omaggio a Gaber profuma, decisamente, di cuore; si candida ad essere uno spettacolo diverso, altro, capace di risvegliare il senso più profondo di questa particolare forma d’arte scenica. Basta vedere, ascoltare la naturalezza con cui, da un monologo, si passa a una canzone, con una soluzione di continuità in cui non è possibile determinare dove finisca uno, e inizi l’altra. E quel particolare grassettato, quell’umore caldo che anima i fonemi di Gaber, è presente, come non mai, nei due interpreti, che si meritano tutti, ma proprio tutti, gli applausi con cui il pubblico può, catarticamente, tributare loro il giusto riconoscimento.

Immagine dello recensione dello spettacolo In contrando il signor G.

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Tra i binari – Recensione Teatro

Pubblicato il 18 Marzo 202318 Marzo 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo

Nell’ambito della rassegna Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Tra i binari. L’elaborazione drammaturgica, la voce e il canto sono a cura di Cristina Castigliola. Gli arrangiamenti e le esecuzioni dei brani musicali sono curati dal pianista Carlo Buongiovanni.

Il treno sembra fatto apposta per seguire i ritmi dei pensieri, per essere un attaccapanni dove appendere i propri sentimenti, anche quelli più nascosti, e renitenti alla luce della coscienza. Ti lascia il tempo di un saluto alla partenza, ti fa scorrere le immagini dal finestrino, come fossero un film del paesaggio. Tutto questo, Cristina Castigliola lo sa, e si inventa un meraviglioso omaggio teatral-musicale a questo mezzo di locomozione che è entrato, a buon diritto, nel nostro immaginario collettivo, quasi un archetipo junghiano. Cristina, poi, ha un modo tutto suo di stare in scena: ogni cellula del suo corpo esprime, anzi, letteralmente, esplode in una irresistibile joie de vivre. Si abbandona allo scorrere del testo con naturalezza, si bagna di parole; si diverte, idealmente, a schizzare il pubblico con quell’acqua fonetica. Avvertiamo l’inequivocabile calore, la vampa di una passione teatrale che brucia con generosità.

Ma, più di ogni altra cosa, è capace di prendere su di sé il ritmo dello spettacolo. Sale sulle note dell’Honky Tonk Train Blues e sembra una Arianna in love per il suo Dioniso, una Baccante che comincia a riprodurre quegli inconfondibili sbalzi che accompagnavano i viaggi sui treni a vapore; emana il fascino irresistibile del movimento di una freccia meccanica scagliata, da un oceano all’altro, nell’America dei grandi sogni. E sono davvero grandi i sogni dell’interprete, che li coniuga, uno per uno, tutti legati al treno. Non può mancare C’era una volta il West: la musica inconfondibile di Morricone, che, più che musica, è uno stato dell’anima, un discorso interiore altrimenti incomunicabile a parole. E come per magia, appare Claudia Cardinale, la donna fatale del film, che atterra con i sorrisi meglio di un bounty killer con la colt.

Immagine della recensione dello spettacolo Tra i binari

E come sorride Cristina, con la naturalità con cui voi od io potremmo bere un bicchiere d’acqua. Pare che tutto il suo essere si inarchi come due labbra, per diventare quel sorriso in purezza, che dona il senso più profondo allo spettacolo. Un po’, tanto per rimanere nel territorio leoniano, come l’enigmatico e risolutivo sorriso di Noodles nella fumeria d’oppio. Carlo Buongiovanni, il pianista, scivola, con le sue note, come fosse un vestito di seta, tra le parole dell’interprete. Trova con l’attrice una goethiana affinità elettiva, una complementarietà. E, proprio come funziona per certi paesaggi fatti di cielo e mare, non si potrebbe dire con certezza dove finisca la musica e incominci il testo. Avviene un vero processo di osmosi, di scambio continuo; la mano sulla tastiera diventa la danza di parole e di corpo di Cristina, che si lascia attraversare dal brivido elettrico della musica.

Non mancano brani più contemporanei, sempre legati al treno. Una struggente interpretazione de I treni di Tozeur, in cui la voce, gravida di anima, ne fa sentire il profumo all’ascolto. La stessa cosa avviene per il testo de I treni a vapore, in cui il corpo diventa tutto insieme vocalità, si mette a disposizione del canto, in esso si sublima e si trascende. E’ generosa l’interprete nel donarsi, nel donare la propria luce guizzante, come quella del sole sul mare. Ha urgenza di farsi Pizia, sacerdotessa dell’antico rito teatrale, di giocare seriamente con la propria recitazione, di costruire un quadro mettendo i colori con le mani, sporcandosene felicemente, e invitando il pubblico tutto a godere, insieme a lei, di questa festa. Ed ecco riapparire, idealmente, il nume tutelare del teatro, Dioniso, nello spirito di una creatura, che è un inno alla gioia incarnato.

Esprime l’ebbrezza che ti dà un vino tannico e generoso, la voglia invincibile di fare della vita tutta un canto, di festeggiarla, di onorarla su di un palcoscenico. Se c’è ancora una qualche forma di sincero umanesimo in teatro, lo dobbiamo a interpreti come Cristina, che rende il corpo la sua anima più diretta, più immediata. Mentre il pianista disegna suggestivi paesaggi sonori che ti portano via, ti fanno salire in carrozza, e ti fanno scorrere, nota dopo nota, uno spartito fortemente emotivo. Interpreta con la stessa generosità dell’attrice; anzi, nasce un rilancio certamente virtuoso, una sfida a quanto cuore sia possibile mettere su un tasto di piano, o nel fonema di una battuta. Non esiste più un tempo oggettivo, un meccanico scorrere dei secondi, ma c’è il tempo del viaggio, che si dilata o si stringe a seconda dell’umore.

Proprio come una fisarmonica, o i cieli d’Irlanda, si apre e si chiude, a seconda del prevalere dei sentimenti, dei moti dell’anima del momento. E certe battute sono veri e propri fraseggi, improvvisazioni jazz, scale che si impennano veloci, fino a darti le vertigini, e ti portano esattamente lì, su quella parola in cui si deve trovare requie. E’ stata certamente una felice intuizione, quella dell’attrice, di dedicare uno spettacolo al treno, legandolo a quella sensazione che anche il più scafato pendolare prova sempre: quando, pur stando fermi, ci si comincia a spostare. Ecco, Cristina riesce proprio nello stesso miracolo, e la sensazione dello spettatore è quella stessa del viaggiatore, muoversi pur stando fermi. Si ha l’impressione di spostarsi insieme al racconto, e che non importi quale sia l’inizio o la fine, ma solo il ritmo di quel viaggio: un irresistibile boogie woogie.

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Stasera si va accapo -Recensione Teatro

Pubblicato il 29 Gennaio 202329 Gennaio 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Stasera si va accapo

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Stasera si va accapo, con Marilina Giaquinta e Anna Nicoli. L’azione artistica è curata da Paola Brusa, e le musiche sono realizzate da Marco Pagani.

C’è un meraviglioso duetto, nell’opera lirica di Delibes Lakmé, chiamato duetto dei fiori, nel quale due donne si cantano l’anima vicendevolmente, accarezzando l’udito con la seta delle loro voci: ecco, le protagoniste di questo spettacolo hanno riprodotto quelle stesso effetto. Due voci, declinate al femminile, sono la quintessenza dell’umano, con il profumo di una metafisica sottile, lirica, che riesce a intridere di sé ogni ascoltatore. Marilina Giaquinta e Anna Nicoli vivono in scena un’unica ed irripetibile affinità elettiva, un magnifico gioco di specchi della galleria di Versailles, momentaneamente spostata a Milano, in piazza della Repubblica. Sono gioiose baccanti, che vibrano ancora di un rito dionisiaco misterioso, come il terzo uomo aristotelico, che vive in loro; ma, soprattutto, sono e dimostrano, con la loro voce e la loro presenza, tutta l’urgenza, la ribollente magmaticità dell’esserci.

I loro sorrisi, che vivono, nella percezione della platea, in una mesmerizzante soluzione di continuità, riproducono la linea curva dell’arco di Ulisse, in grado di scagliare frecce che ti arrivano fino ai più remoti anditi cardiaci. La scrittura di Marilina è materica, fisica, ha una sua percepibilità da parte di tutti i sensi. La si può toccare, odorare, fiutare; ne potrebbe seguire la scia anche il Gassman cieco di Profumo di donna. Qui si fa tesoro della lezione aristotelica della Poetica: la poesia non è data dalla forma esteriore, ma da quella ipoteca, quella sfida di universalità che sa lanciare, quello squarcio di assoluto che sa trovare tra le pieghe ritorte del linguaggio. L’etologia, l’astronomia, la scienza diventano una lucente occasione di proporre poesia. Si ritorna, felicemente, ai presocratici. Non a caso l’autrice proviene dalla Sicilia, dalla Magna Grecia, in cui la filosofia era espressa in forma poetica;

basti ricordare Parmenide, Eraclito, Empedocle. E, proprio come quest’ultimo si getta nel ventre del vulcano Etna, così l’autrice si immerge nella lava, nella materia ancora viva e vitale del linguaggio, e la restituisce allo spettatore, in tutto il suo calore e la sua forza. L’amore che qui si canta, è quello, disperato e disperante, necessario, estremo, delle due unità separate dell’essere androgino, che, una volta ritrovate, si abbracciano selvaggiamente, nel desiderio di fondersi. Il corpo diventa la bacchetta del rabdomante lirico, in grado di vibrare decisamente, laddove si trovi una fonte di questo eterno sentimento. Lo spettacolo si arricchisce, si sdoppia, anzi si triplica, attraverso l’intervento di due artisti, che aumentano la percezione sinestetica della pièce. Il musicista e compositore Marco Pagani crea delicatissimi passi di danza sonora, tessuti serici musicali, che frusciano felicemente tra la grazia tersicorea delle parole di questo spettacolo.

La pittura di Paola Brusa è un atto totale del corpo e dell’anima: un quadro di Pollock vivo, materico, trasudante emozioni e pensieri, che si arricchisce di parole, e si lascia scorrere nel fiume eracliteo, mai uguale per due volte, di ogni singola rappresentazione. Anna Nicoli ha ragioni del cuore che nemmeno Pascal conosce: nello sguardo porta la luce del sì alla vita della Molly Bloom joyciana, la curiosità impertinente e giocosa degli angioletti di Raffaello, la tenerezza pudica nel primo bacio dei puttini di Bouguereau. Ascoltarla è come sentire lo scorrere puro di una fonte, la semplicità e l’immediatezza del rumore dell’acqua che lega, nella sua essenza, il visibile e l’invisibile. Porge ogni fonema con delicatezza, come se offrisse, idealmente, fiori eterei al pubblico. Marilina Giaquinta porta il suo siciliano in dote alle parole che pronuncia, e lo fa liberamente cortocircuitare in un gioco gaddiano,

In questa dimensione il linguaggio si scrolla di dosso tutta l’accademica bronzatura, e tutta la pesante armatura del dover significare in modo univoco . La sua parola è veloce, agile: fa capriole, ha l’argento vivo dell’enfant terrible, ruba grappoli di luce al cielo della poesia, donandoli con generosità. Riesce a ritrovare la forza divulgativa della scienza nella sua poesia, colorandola e sfumandola con nuances tenui; riesce a suonare, parlando, emozionanti pianissimo. Ha, con la sua voce, lo stesso struggente spirito di Beethoven nel film Amata immortale, che suonava il Chiaro di luna con l’orecchio attaccato al pianoforte, per “sentire” la vibrazione della sua musica. Ecco, l’autrice vuole far sentire le sue parole, vuole ricreare l’atto stesso, il terremoto emotivo che le hanno generate; le modella, le plasma in corpi sempre cangianti.

Il senso del tatto aleggia in tutto lo spettacolo, come una forza di attrazione misteriosa e invincibile, un desiderio di voler percepire anche con la pelle la poesia, sentirne l’immediatezza corporea, così come sensazioni corporee erano le estasi delle sante e dei santi. E, di nuovo, un misterioso sorriso si palleggia da un’interprete all’altra, contagiando i due artisti e tutti gli spettatori. Si realizza il miracolo di vedere La dama con l’ermellino condividere il misterioso arcuarsi delle labbra della Gioconda. E’ l’immediata, indeterminata, enigmatica chiosa al bisogno d’amore che viene comunicato in ogni verso poetico. Il lungo applauso finale, qui più che mai, diventa abbraccio, che il pubblico tutto tributa a ogni interprete di questa riuscitissima esperienza.

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Nel ventre – Recensione Teatro

Pubblicato il 14 Gennaio 202314 Gennaio 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Nel ventre

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Nel ventre. Lo spettacolo, sulla storia di un caruso che lavora in una miniera di zolfo, è scritto da Antonio Mocciola. La regia è firmata da Marco Medelin, e Salvo Lupo è l’interprete di questo monologo.

Se Cristo si è fermato a Eboli, nelle zolfatare siciliane hanno dovuto ritrovarsene uno, o meglio più di uno: i corpi nudi dei carusi, ragazzini con la pelle che trasuda zolfo e anima. Antonio Mocciola, l’autore del testo, comprende che la parola si deve necessariamente incarnare, e la carne diventa l’utero in grado di permettere ad ogni fonema di svilupparsi, di farsi corpo. La carne si trasforma, dunque, in un marmo abitato dall’irresistibile vento dell’esistenza, una statua in divenire, che si lascia scolpire dal testo scenico. Mentre il corpo tutto, offerto in remissione dei peccati della platea, ha una ineffabile voce metafisica: organo di fonazione, la pelle stessa. Nel ventre della terra, disperatamente , freudianamente, si cerca la dea madre, Demetra, Gea; per rientrare in quel corpo, per inventarsi un’escatologia , un’immortalità rovesciata, un ragazzo scopre il diamante purissimo, nascosto dietro la dura scorza del dolore.

E’ un nuovo Ciaula pirandelliano, che scopre la sua Luna, la sua verità adamantina, il suo sogno frusciante come seta, il suo vestito metafisico. Quella cui si assiste è la fenomenologia di un angelo caduto, con ali sporche delle macerie del terremoto di Messina e di zolfo, che, faticosamente, parola dopo parola, ritrova la forza di sbattere le sue ali. Riesce a mostrarcele con la pura forza del suo dire, trasformando il suo corpo nell’arco e, contemporaneamente nella freccia; scrive, sul foglio della scena, frasi di carne, con inchiostro fatto di un nero esistenziale più scuro di quello di Paint it black dei Rolling Stones. Quel corpo diventa ora il pensatore di Rodin, ora membra apollinee pronte a scagliare un giavellotto olimpico, ora il corpo fetale, stranito, ammaliante sul trono dell’Edoardo II di Derek Jarman, ora Birdy, aspirante uccello in cerca di un cielo, nel film di Alan Parker.

E la laringe batte e ribatte, sull’incudine di Efesto, il ferro di fonemi arroventati nel magma del dialetto: la stessa lava che Ferreri aveva scelto come filo conduttore del suo Simposio. E tutto questo incessante monologo di straziante nudità potrebbe tradursi in una disperata e disperante ricerca d’amore, nel costruirsi di una poesia dal più buio inferno, in cui si aspetta l’ultimo verso dantesco in grado di farci vedere le stelle. E gli astri diventano gli occhi luccicanti del protagonista, i suoi balzi, che sembrano sempre essere una preparazione al volo definitivo. E’ bravo, il regista Marco Medelin, a dedicarsi a ogni singolo suono di questo testo, come potrebbe fare un orafo per il gioiello che sta creando. Ogni passaggio è necessario, è saldato con il fiato di un attore che scava nell’anima, fino all’ultimo pezzo, con la costanza e la disperazione di chi estraeva dall’inferno delle zolfatare.

L’attore Salvo Lupo pare assecondare l’adagio latino nomen omen: un nome, un destino. Ha davvero i tratti di quell’animale, che fiuta ogni particella di vita nell’aria, rendendo il suo fiato visibile, nel gelo di una natura di un ambiente avverso. E, anche se gli potresti contare le costole o le ferite dei tanti scontri, lui è ancora lì, che scruta un orizzonte dal significato silenzioso, solo per lui. Ecco, l’attore riesce nell’impresa di farsi tabernacolo di un mistero di carne, che rinnova l’eterna promessa della messa teatrale. In bilico tra Apollo e Dioniso, anzi, rendendo lo spazio del suo corpo il terreno stesso di sfida delle due divinità, diventa la perfetta sovraimpressione tra carne e anima; mostra, nella sua indiscutibile visibilità, l’esatto contrario, l’invisibile. Scava, con il piccone della voce la dura pietra del silenzio, e ne ricava gemme preziosissime, che scintillano, come può scintillare un oggetto concreto.

La platea lo segue muta , attenta, catturata da questo flusso di coscienza continuo; indistinguibile, quest’ultimo, dal flusso di un corpo perpetuum mobile, motore che non si arresta, che si scrive continuamente nella storia, che batte ostinatamente le proprie lettere, come una vecchia Olivetti. E poi, c’è quella capacità di plasmarsi nel corpo del racconto, degli altri personaggi, risvegliando anche la coscienza più intorpidita. Ma la vera scoperta, la Luna di questo novello Ciàula, è un sorriso, che non si arrende anche alla vita più grama, donandosi, satellite argenteo, nella notte scura di una storia in grado di invocare vendetta agli Dèi di un indifferente cielo.

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Sybil, Una donna divisa tra molteplici esistenze

Pubblicato il 30 Ottobre 20221 Novembre 2022 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Sybil — Ph Luca Meola

Nell’ambito della stagione teatrale 2022/2023 di PACTA. dei Teatri vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Sybil, una donna divisa fra molteplici esistenze. Dramaturg dello spettacolo è Livia Castiglioni. La regia è firmata da Silvia Giulia Mendola. Le interpreti sono Federica Bognetti e Silvia Giulia Mendola. La storia narrata nell’opera si ispira a un caso reale.

Il pensiero, decisamente, recensendo questo spettacolo, va a Pessoa, e a tutta la numerosa orchestra di eteronimi. Non di pseudonimi si tratta, ma veri e propri altri-da-sé, con la patente di riconoscimento di un personale pronome. Sybil, la protagonista di questo lavoro teatrale, incarna un autentico caso psicoterapeutico di personalità multipla: il primo che abbia permesso di cartografare questo fenomeno, e di inserirlo, a buon diritto, nel libro delle psicopatologie. Sybil è ben più di un’ Anna O. di freudiana memoria, Sybil incarna molti personaggi che vogliono obliare il loro autore. Corregge, idealmente, la frase rimbaudiana l’io sé un altro; in l’io sono gli altri, tutta la svariata gamma di embrioni di personalità che ognuno di noi si porta dentro. E’, dunque, fatale che lo spettacolo si arricchisca di una dimensione profondamente metateatrale, entrando nel vero e proprio cuore di tenebra del lavoro dell’attrice su se stessa.

In quel magma ribollente di subpersonalità, fanno mostra di sé immagini archetipiche, tarocchi junghiani che vivono nella psicologia del profondo. La protagonista dimostra quanto sia vaga e, citando Hillman, vana la fuga dagli dèi, dal momento che questi ultimi sono più vicini a noi della nostra stessa giugulare; sono il nome donato a forze, energie psichiche che, altrimenti, agirebbero attraverso il codice cifrato dell’inconscio. E davvero, sfila davanti alla platea un intero pantheon di personaggi interiori che trovano domicilio in un singolo foglio. Sans papiers della coscienza vigile, clandestini nella terra che dovrebbe essere la loro patria, si raccontano con la struggente tenerezza di una foglia che per un lungo, lunghissimo, istante, prende coscienza della propria precarietà, nella terra autunnale della via verso la guarigione. Come HAL di 2001, queste identità hanno paura di svanire, di morire a se stesse e agli altri, hanno il fiore in bocca pirandelliano.

Chiedono alla psicanalista e, tramite lei, a tutta la platea, di contare i ciuffi d’erba fuori dal teatro, e di cercare di contarne molti, perché quello è il loro tempo di vita. L’intuizione eccezionale che si accende attraverso Sybil è che i personaggi sono animule vagule e blandule, sono delicati quanto bozzoli di seta, fragili e insieme forti, impermanenti quanto e più di noi; ma raccontano, come nessun’altra forza potrebbe raccontare, la poesia definitiva, che fa male, quella rosa che ha le spine, quel dolore che si sublima in un taglio nella tela del nero esistenziale, per lasciare uno squarcio di luce dell’altro, dell’indicibile. Nello scheletro di una stanza, che vagamente richiama un rompicapo irrisolvibile di Escher, avviene un dialogo socratico, in cui Socrate, la psicanalista, deve dismettere l’inamidato setting e cercare altre strade, altre parole per guarire la sua paziente. Questo è il bello delle storie psicanalitiche.

Come aveva genialmente intuito Mishima, questi racconti si candidano naturalmente ad essere delle storie noir, thriller, delle detective story, dove la verità si nasconde dietro il fumo di una sigaretta, si lascia inseguire, depista con falsi indizi, sfugge, si dimena, e poi, catarticamente, si scioglie in un abbraccio, facendo la pace con se stessa e con il resto del mondo. Il trauma che ha frantumato il cristallo dell’io è terribile, superiore a quello che la più cupa tragedia può nascondere dietro la parete della skenè. Gli anticorpi per un male assoluto non possono che essere radicali quanto lo è la malattia: e allora, ecco la fuga dagli dèi, il rocchetto di Hans che si moltiplica in più fili, nel gioco dell’avanti e indietro di molteplici personalità. Se l’io, come ricorda Freud, è un precipitato di cariche oggettive, ha già un’origine nevrotica.

Nasce da una frustrazione; a maggior ragione, ciò vale per gli ego nati allo scopo di sopportare un dolore intollerabile, che non potrebbe essere sorretto da una sola, fragile, identità. Silvia Giulia Mendola è una Sybil in stato di grazia, un essere proteiforme, che modella la sua anima su quella delle varie personalità, e non trascura alcun fonema, gesto, intenzione per costruire al meglio ognuna di esse. Silvia va dove non si tocca, e nuota meravigliosamente. Suona con maestria ogni strumento di questa particolarissima sinfonia interiore, e ha una speciale seta nei suoi sguardi, , così sottile e leggera che si ha quasi paura che basti un fiato, dalla parte della platea, a stravolgerla. Silvia ha certi occhi che ti abbracciano delicatamente, perché hanno paura di farti male; dice sì, come la Molly joyciana, alla vita di tutti i personaggi, e tutto questo si sente.

Federica Bognetti riesce a condurre se stessa e, insieme, gli spettatori, nel viaggio pieno di stupore e sgomento, che conduce, dal freddo approccio terapeutico della mente scientifica e speculativa, all’incontro che si contamina piacevolmente dell’irrazionale, che deve letteralmente inventarsi una via altra per trovare la soluzione dell’enigma. A poco a poco, spezza la sua verticalità, si piega, dando al gesto uno stupendo valore metaforico. Forma, naturalmente, la scultura vivente di una Pietà del Bernini, l’immagine corporea dove far traguardare questi torrenti impetuosi dei vari flussi di coscienza. I suoi fonemi hanno il tepore confortevole di certe mani femminili, capaci di cambiarti il colore dell’anima accarezzandoti appena il viso. La sua voce abbraccia la dimensione ventrale, è sicura e confortante: un mantra terapeutico che ti entra sotto la pelle, e che accoglie senza giudizio o senza incertezze. Gli applausi, generosi, sul finale dello spettacolo, sono tutti meritati.

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256 secondi, Piovono bombe! Recensione Teatro

Pubblicato il 28 Ottobre 202214 Gennaio 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Piovono bombe

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo 256 secondi, Piovono bombe! Lo spettacolo è scritto e diretto da Cesare Gallarini. Queste “schegge” di bombardamenti sono raccontate da Cesare Gallarini, Lorena Marconi e Ottavio Bordone.

Con buona pace di Kubrick, qui decisamente si impara come odiare la bomba, la quale porta già in dote, nella parola che la denomina, l’onomatopeicità di un suono che ha ben poco di fumettistico, e troppo di tragico. Si racconta la storia di uno strumento di morte che ha, definitivamente, portato la guerra dai campi di marzo ai civili. A crollare non è più l’infestata casa degli Usher, bensì quella dell’uomo qualunque, dell’everyman che si vede, letteralmente, piovere dal cielo la tragedia; gli dèi si sono carrucolati nella scena umana troppo velocemente, pronti a scoppiare in faccia a qualunque platea. La bella intuizione di questo spettacolo è raccontare drammaturgicamente tutto questo, con una efficace e devastante normalità, avendo come bussola, per orientarsi in ogni bombardamento, quella banalità del male ben espressa dalla Arendt. Non ci sono gli eroi del mito, bensì persone comuni, che muoiono.

Perdono la vita a causa di questa pioggia futurista, metallica, dirompente, provocata dalla meteorologia distorta di generali, i quali sono ancora convinti, che, sopra la collina ci sia la notte crucca e assassina; ma gli unici, veri assassini sono loro. La verità di questa assurda etica rovesciata si basa su di una fredda media statistica: se un essere umano ucciso equivale a un omicidio, migliaia sono il risultato di una guerra. In una scena essenziale, gli oggetti sono correlativi oggettivi di questo spaventoso altro, segni tangibili di ciò che rimane; ogni accessorio serve a testimoniare che tutto questo è stato, è, e speriamo che non sarà più. Cesare Gallarini incarna il pilota, o, meglio, ogni possibile pilota che trasporta questo strumento di morte; con la sua fisicità imponente, la sua voce rustica, con tannini di una vocalità intensa, corposa come un buon bicchiere di lambrusco, dice l’indicibile.

Usa l’efficacissima arma di una sottile comicità straniata, brechtiana, per descrivere la quotidianità dei bombardamenti. Ma lì, proprio dietro l’ultimo fonema, a meno di un soffio dall’ultimo fiato, ecco che appare un’intenzione deviante: fa mostra di sé l’anima buona di qualunque Sezuan, che piange in silenzio, terzopersonalizzandosi epicamente. Lorena Marconi è la cittadina, la vittima, sguardo stupito verso un cielo che dovrebbe ospitare le nostre migliori intenzioni, e, invece, ospita creature mostruose che sputano fuoco sulla città, draghi postmoderni che difficilmente i cavalieri della contraerea potranno abbattere. E poi Lorena ha certi sorrisi, piccoli e delicati, che ti entrano dentro, scavando una strada di fuga dall’orrore. Si riesce a vedere, nella curva di quelle labbra, una tenue speranza; risuona sommessamente il canto di una Vera Lynn, a ricordarci che, forse, ci incontreremo di nuovo in un giorno di sole, dopo l’ultima guerra.

E poi c’è quello sguardo di madre, nel racconto del bombardamento sulla scuola di Gorla, con tutto lo spaesamento di un essere in grado di dimostrare che le bombe, oltre che le case, sradicano le anime. Con le bambole in mano, costringe ogni dio della tragedia all’unico silenzio possibile. Non ci son scuse, Dostoesvskij docet: ciò che rimane incomprensibile, ciò che suona come una fatale accusa per ogni possibile abitante del cielo, è la violenza contro i bambini. Ottavio Bordone è il giornalista raisonneur che batte ostinatamente sulla sua vecchia macchina da scrivere, come il reporter che si trova il proprio cantuccio lirico per portare la propria testimonianza, per regalare alla vicenda un particolare ritmo: quello delle dita sui tasti. E’ una presenza discreta che lega i fili di questa vicenda, uno alla volta, in grado di ricomporre, con dovizia, questa tela di Penelope, che proprio non sa se potrà reincontrare Ulisse.

Ogni parola di questo spettacolo è maledettamente necessaria; è uno schiaffo alla letargia dell’indignazione, alle coscienze impigrite, per cui il mondo delle immagini si contamina di realtà, finzione, e consigli per gli acquisti. La denuncia è questa testimonianza chiara, limpida come acqua di fonte. Non c’è fascinazione alcuna nella guerra, non c’è prosecuzione di alcuna diplomazia: solo l’orrore dell’ennesimo Kurtz, capace di raccontare il delirio dal cuore di tenebra di ogni guerra, trovando del metodo poloniano in questa follia. Mesdames e Messieurs, questo è autentico teatro civile di denominazione di origine controllata. Si racconta l’inferno dei bombardamenti senza sconti, senza orpelli, senza infiocchettature retoriche di alcun tipo. E, per citare una canzone di The Wall dei Pink Floyd, ci si meraviglia di come persone debbano, ancora oggi, correre ai rifugi, quando la promessa di un nuovo mondo è stata sbandierata mille volte sotto un cielo azzurro.

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Uno studio da Le 5 rose di Jennifer di Annibale Ruccello

Pubblicato il 10 Luglio 202210 Luglio 2022 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Studio sulle 5 rose di Jennifer — Ph Lia Stein

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo uno studio da Le 5 rose di Jennifer di Annibale Ruccello. Lo spettacolo è firmato e interpretato da Fabrizio Kofler.

Ha fatto una sorta di miracolo, il protagonista di questo pseudo-monologo: non si è limitato a lasciare spazio all’anima junghiana dentro di sé, al femminile archetipico, inserito nel mazzo dei tarocchi psichici, ma ne ha scoperto la parte più tragica, più crudele; quella, tanto per intenderci, che appartiene alle eroine eschilee, euripidee. Da qualche parte deve avere avuto, mentre si truccava davanti allo specchio del proprio camerino, una Jeanne Moreau, pronta a ricordare all’interprete, come alla Nikita del film di Besson, che due cose non conoscono confini: la femminilità e i modi per abusarne. Si muove sui tacchi come un funambolo, sulla corda sottilissima tra il maschile e il femminile, disegna una verticalità aggraziata sempre in pericolo di poter cadere, e, tuttavia, è proprio quel pericolo ad accrescerne il fascino. Si siede per attendere una telefonata che non arriverà mai.

Godot ha fatto in tempo a lasciare il suo numero telefonico, e, da quel momento in poi, l’invincibile, quanto disattesa, voglia di ricevere una certa chiamata. In compenso, Jennifer riceve continuamente chiamate da estranei, poiché Tyche, la divinità della sorte, oltre a ingarbugliare i fili dell’esistenza, in questo testo si diverte a fare la stessa cosa con le linee telefoniche. Pettina la sua parrucca, e quel gesto farebbe voglia al buon vecchio Freud di aspirare lungamente il suo sigaro, per poi annotare fittamente il suo taccuino. E’ un gesto psicologico, è un rito di passaggio in cui l’en travesti può determinarsi; è il guado dello Stige verso un femminile che non ha niente di risolutorio, e che impone gli alti coturni della tragedia. L’attore si mette a disposizione nella carne, nello spirito, nei gesti e nelle parole, per lasciare che esca, che viva il personaggio. Lascia agli spettatori lo stesso dubbio voluto dal drammaturgo, Annibale Ruccello.

Immagine della recensione dello spettacolo Studio sulle cinque rose di Jennifer — Ph Lia Stein

In questa drammaturgia, le altre presenze, le situazioni in cui, via via, si trova il personaggio, possono essere, forse, frutto di una proiezione, di un’ allucinazione da parte di Jennifer. In fondo si trova nella sua stanza, che, per estensione, diventa il suo mondo interiore. D’altra parte, la psicologia insegna che qualcosa è vero, è reale, nel momento in cui è la psiche a decretarne l’esistenza. Viviani e Beckett, Scarpetta e Ionesco si incontrano, in una drammaturgia che sa anche farsi fredda quanto l’amore evocato da Fassbinder. Se c’è qualcosa che l’autore, in questa pièce, fa divinamente, è tradurre la filosofia heideggeriana, il legame ai confini del dicibile tra essere e tempo che passa, attraverso la presenza umana. E’ un metronomo implacabile, Jennifer: non misura il tempo, perché lei stessa è il tempo, che si allunga, si squaglia, si esaspera, nell’elastico dilatarsi di ogni singolo istante.

E allora non può far altro che, pessoanamente, recitare il dolore che davvero prova, rifarsi il trucco, rassettarsi, regalare a sé e al suo pubblico il rossetto del migliore bel esprit, della battuta più puntuta, con cui trafiggere al cuore la noia dell’attesa. I fonemi passano, fatalmente, dai suoni evocativi dell’idioma partenopeo, ed è come fare un bagno nell’acqua densa dell’emotività. Non si può che offrire il proprio ventre, la propria “pancia”, a queste battute dal sapore napoletano. Fabrizio Kofler accetta la sfida, e guarda la platea come guarderebbe uno specchio, rilanciando il sempiterno dubbio sulla propria identità a tutti gli spettatori. Come un diesel, scalda il suo motore interiore, fino a portarlo all’urlo tragico, e, fin dall’inizio, mostra la lacrima sulla guancia di questo Pierrot, al di là del bene e del male, nonché dei generi sessuali. Certi sguardi vitrei, certi appuntamenti all’interno del monologo,sono verità dell’anima.

Diventano, insieme, schiaffi e carezze per il pubblico; benché fragile come uno scricciolo, Jennifer è capace di beccare e artigliare come un’aquila, e fare chissà cos’altro. La radio è la sua compagnia, il medium caldo di mcluhaniana memoria, che contribuisce ad alzare la sua temperatura emotiva. Si sentono dediche, canzoni cui appendere qualche stato d’animo o qualche ricordo, in grado di stordire la coscienza del tempo, almeno per pochi minuti. E poi, ecco l’annuncio dell’assassino dei travestiti, delle rose, dei fiori del male che sono pronti a sbocciare ovunque, anche nel giardino di questa drammaturgia. La radio, in fondo, è quanto di più vicino ai pensieri, alla realtà interiore, possa esistere: sembra fatta apposta per creare un coro tragicomico, tutto a disposizione della protagonista. Dioniso è già passato di lì da un pezzo, e ha lasciato nella stanza non il divino, ma solamente una bottiglia di vino.

Non è difficile immaginare che anche una Clitennestra, una Medea, una Fedra intrappolate in qualche squallido appartamentino della suburra, con il cuore ancora stracolmo di tragedia, ma con una realtà più adatta a una sceneggiata napoletana, non potrebbero far altro che attaccarsi a una bottiglia, e a un filo di speranza; filo che, fatalmente, diverrebbe quello del telefono. Quest’ultimo è la vera compagnia, quella protesi del proprio apparato acustico in grado di far ascoltare le voci, forse anche quelle di dentro. Tutte le sue parole, le più leggere e le più pesanti, sembrano indicare il silenzio e le pause che ci sono fra esse, verso quel posto inconoscibile e indicibile in cui se ne andrà la fiamma, una volta spenta la candela. Potrebbe svanire da un momento all’altro, Jennifer, come la fiamma di una candela. L’unica certezza ed evidenza è data dai generosi applausi, che bagnano il protagonista come una doccia catartica, rigenerante.

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Una vita da discount – Recensione Teatro

Pubblicato il 3 Luglio 20223 Luglio 2022 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Una vita da discount

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Una vita da discount, liberamente tratto da “Niente più niente al mondo” di Massimo Carlotto. L’adattamento è a cura di Fabrizio Kofler, che firma anche la regia, e Diana Ceni, interprete del monologo.

Diana Ceni ha un sorriso, e, fino a qui, la notizia sembrerebbe non avere nulla di speciale; ma il suo sorriso ha qualcosa di magico, di unico, irripetibile. Si ha l’impressione che l’idea stessa del sorriso sia stata tirata giù dal mondo delle idee platonico, per posarsi su quel volto, regalando una pietra di paragone per ogni possibile modo di sorridere. L’arco delle sue labbra è una freccia che uccide gli dèi, è la pratica concreta della massima di Marc’Aurelio“La morte sorride a tutti, e uno non può che sorriderle di rimando”. E’ una piuma, Diana, una piuma che atterra in scena, e che mostra se stessa così come è, nell’unico modo possibile di essere se stessi: ovvero attraverso la levità, sorridendo all’esercizio, impossibile, di cogliersi nel movimento del proprio esserci. Ci mostra una creatura che sembra uscita da un film di Ken Loach.

E’un’eroina della working class con le ossa ammaccate, per tutte le pietre che la vita le ha fatto piovere addosso. Si colloca su di una sedia, si sottopone a una sorta di provino e comincia a parlare; e, nelle sue parole, si sente distintamente il profumo della sua anima, come se lasciasse scorrere una specie di compassione buddhista, per i guai passati dal suo personaggio. Potrebbe chiedere conto al buon Montale di quel 95 per cento di vita non vissuta; è uno di quei personaggi che Cechov si limita a contare, sulla lunga linea grigia delle esistenze che sarebbero potute essere, e non sono state. Eppure, la protagonista ha una sua anima, un’individualità. Il suo è un tentativo disperato di far quadrare un bilancio finanziario, sempre sull’orlo dello zero, come quello esistenziale. Trova la forza per rimpiangere quei soffitti viola, a lei mai concessi.

Svela quella voglia di portare un po’ di poesia, un po’ di assoluto nella propria vita. La tragedia di un uomo ridicolo, di gogoliana memoria, qui si declina al femminile, e gli dèi, questo è certo, non sono meno spietati con questa creatura rispetto a quanto possano esserlo stati con Edipo, o con la casa degli Atridi. E poi c’è la figlia, con il suo complesso di Elettra, in cerca di una Clitennestra da detestare, ma con un destino più simile a quello di Cassandra. Dopotutto, lo cantava già De Andrè, non tutti i fiori del male sbocciano nella capitale: alcuni nascono su un balcone di qualche periferia urbana. E sono di un rosso incredibile, un rosso sangue. E’ davvero tutto un equilibrio sopra la follia, e il gesto più inaspettato, e crudele, è nascosto nel nero più profondo dei propri abissi psichici.

Ma sa apparire improvvisamente, sostituendo un paio di ciabatte del discount con un bel paio di coturni. La tragedia è ancora tra noi, si nasconde, si involtola in vestiti presi, per quattro soldi, alle bancarelle. Tristezza e rabbia costruiscono, goccia dopo goccia, una stalattite che, a un certo punto, può staccarsi, e bucare irrimediabilmente un cuore. La vita che non vive, prima o poi, chiede un conto salato agli dèi, e pretende che sia regolato in una volta sola. Allora, ecco che il sorriso si tramuta in pianto, e non c’è farina che possa nascondere questo dolore. Il sorriso è anche quello di un Joker, che cambia improvvisamente le carte in tavola, e manda tutto a carte quarantotto. Il gesto finale della protagonista, con buona pace di Aristotele, non ha nulla di catartico, non è per niente discount: anzi, è tremendamente bigger than life.

Il regista dello spettacolo, Fabrizio Kofler, sottolinea quel riso tragico e isterico, enigmatico e, insieme, semplice, dell’attrice, come fa Joaquin Phoenix quando si disegna il definitivo sorriso, fatto di sangue, sulla faccia. E la drammaturgia si rivela essere un ottimo lavoro, in grado di cogliere i migliori spunti dal libro Niente, più niente al mondo di Massimo Carlotto. Si metta il cuore in pace, il filosofo stagirita: nessuna purificazione, nessuna conciliazione per questa storia stupenda e, insieme, terribile, crudele, come sarebbe piaciuta al buon Artaud. Rimane agli spettatori quel sapore di erba amara, che si consuma nella Pasqua ebraica per ricordare il dolore e la fatica di esistere, e quella curva, che finisce col rassomigliare fatalmente a un punto interrogativo, dipinta sul volto di Diana. Le parole di Levi sembrano scritte nei silenzi di questo spettacolo: “Considerate che tutto questo è stato”.

E per una volta, almeno una, il fatto terribile di cronaca non diventa l’ennesima intramuscolare mediatica, fatta apposta per un piccolo sdegno, che scompaia come un’ombra passeggera, all’apparire del successivo servizio del telegiornale. Non solo tutto è verosimile, ma – ecco l’elemento che rende davvero speciale questa pièce – tutto è tremendamente vicino, e la protagonista potrebbe aver sfiorato il nostro carrello al supermercato, o essere stata quella persona seduta vicino a noi sul metrò, che muoveva le labbra, raccontando a se stessa chissà quale storia. Vincenzina non è più una figura quasi chagalliana, davanti alla fabbrica di Enzo Jannacci; ora potrebbe tirare le pietre, potrebbe bere molto più sangue bollente di quello evocato da Amleto, e fare le cose terribili che evoca lady Macbeth. Stavolta il male non è banale, ma è la terribile reazione al banale. Ancora una volta, gli occhi di Clitennestra sono chiusi nel piacere, ma sono aperti nel dolore.

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AAA Cercasi sostegno per madre single e femminista con figlio maschio e adolescente – Recensione Teatro

Pubblicato il 11 Giugno 202211 Giugno 2022 in Teatro di Danilo Caravà

immagine della recensione AAA cercasi — Ph. Alexandra Grippa

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo AAA Cercasi sostegno per madre single e femminista con figlio maschio e adolescente, scritto diretto e interpretato da Monica Faggiani.

Ci si interroga spesso su quale sia il segreto di un interprete; quale, per rubare un’espressione hegeliana, immediato indeterminato renda quel modo di recitare unico e irripetibile. Si cerca la soluzione, come di fronte a un teorema apparentemente irrisolvibile e indimostrabile, e poi la risposta appare improvvisamente, al pari di un lampo di luce. Questo è accaduto, osservando Monica Faggiani dalla platea a pochissima distanza, la stessa che permette ai fonemi dell’attrice di arrivare ancora pieni della sua presenza fisica, e di quel profumo metafisico dell’anima che è a portata di fiato. Monica, semplicemente, lascia che tutto sia, che tutto accada; si immerge nel testo scenico, come ci si potrebbe immergere nel mare. Partecipare alle sue rappresentazioni diventa una sorta di talassoterapia, lei lascia scorrere la drammaturgia su di sé, come Molly Bloom i suoi catartici sì nell’Ulisse di Joyce.

Ecco, la sua interpretazione è un sì a occhi chiusi, con un generoso sorriso pronto ad accoglierti. E’ un sì alla vita, non solo alla sua, ma a quella di ogni essere. Batte freneticamente sui tasti della macchina per scrivere della sua laringe, a una velocità che toglie il fiato; fa i gradini a due a due, a tre a tre, e ogni tanto, nel momento giusto, è come se si mettesse un dito sulle labbra, e ti invitasse a sostare per un istante, per accorgerti di ogni singolo respiro. L’occasione per parlare del suo essere madre, di suo figlio, usando il talking blues della stand up comedy, diventa, altresì, occasione per cogliere la natura, l’essenza del femminile, che, junghianamente, si sovrappone perfettamente con l’essenza dell’anima. E le parole sono il plic plic della pioggia, che si annuncia prima con un adagio musicale, poi si lascia andare a un allegro assai.

Esplode in un crescendo rossiniano che dà le vertigini. Corre Monica, corre anche laddove non corriamo noi, e corre a piedi scalzi, pur indossando elegantemente un paio di scarpe dal tacco vertiginoso. Mangia, divora il mondo che la circonda con i suoi sguardi, e ce lo restituisce con una recitazione trasparente come l’acqua. E son dannunzianamente fresche le sue parole, davvero come il fruscio che fan le foglie: ti divertono e ti inteneriscono, come l’affaccendarsi di uno scoiattolo intento a salire sull’albero. Il segreto del suo monologo è l’aver veicolato, nella maniera più diretta e immediata, cosa sia la maternità, rendendo la sua stessa interpretazione un ventre accogliente, trasformando il suo sorriso in un liquido amniotico, in cui sognare l’esistenza che verrà. Ha davanti a sé il microfono di un crooner, di una Ella Fitzgerald solamente un po’ più chiara.

Ha deciso, più che di cantarlo, di recitarlo, il suo blues, il suo jazz. E quando due labbra alla Tarantino si avvicinano a un microfono, si sa che niente sarà più come prima: è come si ritornasse a “in principio era il verbo”. Ci si accorge davvero, dalla parte del pubblico, quando il monologo va nella direzione giusta, e tutti i pezzi si incastrano uno dopo l’altro, come in questo caso. Ogni fonema diventa un mondo, un gioco frattalico dove si aprono altre immagini e, dentro di esse, altre ancora. E i suoni, certi suoni, ti trascinano nella loro danza vorticosa, chiedendo complicità e ottenendola. E il miracolo è lì, meno distante dell’invisibile freccia del respiro. Ci si accorge, con buona pace di Dürrenmatt, che la Pizia non è morta, ma è lì, pronta a oracolare le parole di invisibile divinità.

Lascia che a giocare nello spazio delle sue labbra sia Talia, la Musa della commedia. Allora può accadere un vero miracolo: che un sorriso, almeno per un lungo, lunghissimo, dostoevskijano istante, possa salvare il mondo, a patto che sia, come questo, completamente sincero, gratuito, spontaneo. Come le nuvole che, a un certo punto, l’acqua che trattengono la lasciano andare, naturalmente, ed ecco la pioggia. Monica cattura il suo pubblico perché decide di non incarnare l’arida concettualità dell’essere madre, ma, piuttosto, l’esercizio quotidiano della maternità, che ha più in comune con gli opposti di Eraclito, che con le idee platoniche. L’attrice racconta l’unica cosa che possa davvero raccontare, e con questo fa la differenza, un essere umano ad altri esseri umani: il proprio divenire, continuamente, il proprio scorrere nell’incessante fiume dell’esistenza. E la magia più grande è quella di far intravedere in questo mondo pieno di contraddizioni, di difetti e di storture, un po’ di Nirvana.

Basta cambiare le lenti, ascoltare una tua emozione o quella di chi ti circonda. Ecco che, allora, un po’ di poesia, persino un po’ di assoluto, si può trovare, ogni volta che un essere speciale si ricorda di te, vive al di là di te stessa e porta la tua traccia un po’ più in là del tempo che puoi attribuirti. Si impara tanto sulla maternità da questo spettacolo, molto di più e meglio di quanto si possa imparare da un qualsiasi manuale. L’utero non è un semplice organo biologico, ma, piuttosto, un categoria dello spirito, un’ulteriore cavità cardiaca, che può imparare, e insieme insegnare, ad amare. Tutto sommato, l’atto stesso della recitazione è profondamente materno: un atto accogliente, un abbraccio forte forte, uno di quelli in cui si vorrebbe essere davvero, completamente, fisicamente, un unico noi. A dimostrarlo, l’entusiasmo del pubblico al termine di questo appassionante monologo.

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Benvenuti a teatro, dove tutto è finto ma niente è falso.

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