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SYLVIA P 1932 – 1963

Pubblicato il 13 Marzo 202413 Marzo 2024 in Teatro di Danilo Caravà

Nell’ambito della rassegna Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Sylvia P 1932 – 1963, scritto e interpretato da Antonella Voltan. La regia è curata da Lara Franceschetti.

La cognizione delle parole regala la stessa stupefazione percepita quando ci si ritrova, per la prima volta, a osservare un fiore: una forma che sembra essere fatta per dare modo di sentire quello che l’intelletto non può comprendere, quando si confronta con l’idea di bellezza. Questo spettacolo, che vuole omaggiare, come meglio non si potrebbe fare, la poetessa Sylvia Plath, ci mostra queste divinissime cose invisibili, ossia le parole, e ce le rende in forma di diamanti purissimi. L’interprete diventa una sorta di theremin in grado di produrre, con vibrazioni elettromagnetiche, fonemi che risuonano giù, giù, nel cuore e, insieme, nella mente. Perché, in questa poesia che unisce vita e letteratura, il muscolo cardiaco è tutt’uno con il pensiero; in equilibrio omeostatico, come l’equilibrista sulla corda, essi viaggiano di sillaba in sillaba, lasciando il pubblico a bocca aperta, nella paura che si possa precipitare nell’abisso della realtà prosaica.

L’attrice (e autrice) Antonella Voltan ha certi sorrisi, poi, che ti spaccano il cuore. Squarci necessari, riflessi pavloviani di un lirismo che crea tagli di luce sulla tela dell’anima, meglio di Fontana. Ecco un’altra, maledettamente necessaria, Antigone: ha dialoghi con l’Assoluto che non tutti possono – o vogliono – comprendere, non accetta compromessi. Trabocca di entusiasmo, nel senso originario, etimologico del termine; ovvero, ha un dio che le urge dentro, e la cui ineffabile lingua ella deve rendere, a costo della propria vita, in forma di poesia. Aggiusta il mondo, Sylvia, e lo fa con la pazienza del ragno che aggiusta una tela: lui con la sua bava, lei con le parole ricercate, quelle con cui il buon vecchio Flaubert poteva perdere pomeriggi, passeggiando nella sua verde Normandia. L’America più spregiudicata, consumista e ostinatamente materialista è salvata da questo tipo di creature, anime fatte di una seta sottilissima, che rischia di rovinarsi solo ad essere guardata.

Seta che non si distingue più dal corpo fisico, e da quello invisibile, di chi la esprime. Posseduta da Apollo, questa Pizia oracola e trasumana verso l’indicibile, quella zona che sta poco prima, e poco dopo, ogni singolo fonema. Non si limita a pronunciare parole; piuttosto, sono queste ultime a pronunciarla, a plasmarla, attraverso le loro labbra, la loro lingua, la loro invisibile laringe. E poi viene la gioia, la volontà di abbandonarsi alla propria vocazione ad essere, nel senso più pieno del termine. Avete presente certe pennellate generose, grumose, nell’eterno vortice danzante che le ha fatte nascere dalla propria impronta? Ecco, in questo lavoro teatrale ci si ricorda che Sylvia era così. Ha vissuto il mondo una, dieci, mille volte, per tutti noi, per offrircelo nella forma più pura: nel silenzio di un Buddha che mostra un fiore di Loto come tacita, essenziale forma di insegnamento.

Ne pagherà, certo, un prezzo altissimo; ma lo spettacolo evita, e fa bene, di schiacciare la biografia della poetessa sulla depressione, sul suicidio finale. Ci mostra, piuttosto, la fenomenologia, la creazione in progress di una vocazione a fare poesia. Ha seguito il suo daimon,Sylvia, fino alle estreme conseguenze. Ha costruito la sua teologia fatta di preziosissime parole, ha provato l’estasi di Santa Teresa colpita da un dardo di fuoco. Per la fortuna di tutti noi, al posto di abbandonarsi ad una scelta compromissoria, ha preferito dire il sì della Molly Bloom di Joyce. Ha chiuso gli occhi ed ha accolto nel suo ventre tutto l’essere che ci stava, anche quello che, apparentemente, non trovava posto. Parole, inevitabilmente, sia biografiche che poetiche, si uniscono, formula alchemica perfettamente riuscita, in questa drammaturgia; e sono protagoniste assolute, in grado di far compiere alla platea un viaggio al termine della notte.

Si esplorano i paesaggi dell’anima, rivolgendosi a un udito tutto interiore, a un senso ulteriore, nascosto per gran parte del tempo, ma di nuovo attivo, se richiamato dalla musica giusta. E’ un piacere voltarsi e osservare il pubblico in piena risonanza con l’attrice, preso da un incantesimo capace di far vedere gli angeli sbattere le loro ali, fatte di piume e di lettere, in un salotto in Piazza della Repubblica, a Milano. E, infine, si riescono a riveder le stelle. L’intuizione potente di far sì che tutto questo provochi un fatale sorriso, gentile ed accogliente, prima di tutto nell’interprete, con la naturalità di mani che lavorano impasto di acqua e farina, è il valore aggiunto di questo spettacolo. L’anima è questo: un inarcarsi delle labbra nella forma di una gioia sottile che accoglie, con grazia coreutica, le parole necessarie perché il mondo sia riscattato da se stesso.

Si sente la disperata necessità di lavori teatrali come questo; di una tale volontà di far conoscere una poetessa, riportandone fedelmente tutti i movimenti dell’anima. Scoprire un essere umano, ma scoprirlo davvero, è sempre un momento di profonda commozione. Equivale al poter vivere, al proprio interno, quello che, in questo caso, la poetessa è per se stessa, dal di dentro. Abbattendo la barriera, apparentemente invalicabile, dell’apparire, è la vita stessa che si mostra: la vita cosciente, fatta di cuore e pensiero, che parla con spontaneità, al di là dei riti verbali, della convenzioni marionettistiche. Tutto è esattamente come dovrebbe essere, vergine persino del nome. Mentre scrivo, mi viene in mente che questa pièce è, anche e soprattutto, un omaggio alla poesia, a quel potere ineffabile che fa profumare ancora di divino le parole, dando loro l’inconfondibile aroma di un’anima distillata, di un elisir dei diamanti più puri, nella loro sublimazione grafica e fonetica.

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Stasera si va accapo -Recensione Teatro

Pubblicato il 29 Gennaio 202329 Gennaio 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Stasera si va accapo

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Stasera si va accapo, con Marilina Giaquinta e Anna Nicoli. L’azione artistica è curata da Paola Brusa, e le musiche sono realizzate da Marco Pagani.

C’è un meraviglioso duetto, nell’opera lirica di Delibes Lakmé, chiamato duetto dei fiori, nel quale due donne si cantano l’anima vicendevolmente, accarezzando l’udito con la seta delle loro voci: ecco, le protagoniste di questo spettacolo hanno riprodotto quelle stesso effetto. Due voci, declinate al femminile, sono la quintessenza dell’umano, con il profumo di una metafisica sottile, lirica, che riesce a intridere di sé ogni ascoltatore. Marilina Giaquinta e Anna Nicoli vivono in scena un’unica ed irripetibile affinità elettiva, un magnifico gioco di specchi della galleria di Versailles, momentaneamente spostata a Milano, in piazza della Repubblica. Sono gioiose baccanti, che vibrano ancora di un rito dionisiaco misterioso, come il terzo uomo aristotelico, che vive in loro; ma, soprattutto, sono e dimostrano, con la loro voce e la loro presenza, tutta l’urgenza, la ribollente magmaticità dell’esserci.

I loro sorrisi, che vivono, nella percezione della platea, in una mesmerizzante soluzione di continuità, riproducono la linea curva dell’arco di Ulisse, in grado di scagliare frecce che ti arrivano fino ai più remoti anditi cardiaci. La scrittura di Marilina è materica, fisica, ha una sua percepibilità da parte di tutti i sensi. La si può toccare, odorare, fiutare; ne potrebbe seguire la scia anche il Gassman cieco di Profumo di donna. Qui si fa tesoro della lezione aristotelica della Poetica: la poesia non è data dalla forma esteriore, ma da quella ipoteca, quella sfida di universalità che sa lanciare, quello squarcio di assoluto che sa trovare tra le pieghe ritorte del linguaggio. L’etologia, l’astronomia, la scienza diventano una lucente occasione di proporre poesia. Si ritorna, felicemente, ai presocratici. Non a caso l’autrice proviene dalla Sicilia, dalla Magna Grecia, in cui la filosofia era espressa in forma poetica;

basti ricordare Parmenide, Eraclito, Empedocle. E, proprio come quest’ultimo si getta nel ventre del vulcano Etna, così l’autrice si immerge nella lava, nella materia ancora viva e vitale del linguaggio, e la restituisce allo spettatore, in tutto il suo calore e la sua forza. L’amore che qui si canta, è quello, disperato e disperante, necessario, estremo, delle due unità separate dell’essere androgino, che, una volta ritrovate, si abbracciano selvaggiamente, nel desiderio di fondersi. Il corpo diventa la bacchetta del rabdomante lirico, in grado di vibrare decisamente, laddove si trovi una fonte di questo eterno sentimento. Lo spettacolo si arricchisce, si sdoppia, anzi si triplica, attraverso l’intervento di due artisti, che aumentano la percezione sinestetica della pièce. Il musicista e compositore Marco Pagani crea delicatissimi passi di danza sonora, tessuti serici musicali, che frusciano felicemente tra la grazia tersicorea delle parole di questo spettacolo.

La pittura di Paola Brusa è un atto totale del corpo e dell’anima: un quadro di Pollock vivo, materico, trasudante emozioni e pensieri, che si arricchisce di parole, e si lascia scorrere nel fiume eracliteo, mai uguale per due volte, di ogni singola rappresentazione. Anna Nicoli ha ragioni del cuore che nemmeno Pascal conosce: nello sguardo porta la luce del sì alla vita della Molly Bloom joyciana, la curiosità impertinente e giocosa degli angioletti di Raffaello, la tenerezza pudica nel primo bacio dei puttini di Bouguereau. Ascoltarla è come sentire lo scorrere puro di una fonte, la semplicità e l’immediatezza del rumore dell’acqua che lega, nella sua essenza, il visibile e l’invisibile. Porge ogni fonema con delicatezza, come se offrisse, idealmente, fiori eterei al pubblico. Marilina Giaquinta porta il suo siciliano in dote alle parole che pronuncia, e lo fa liberamente cortocircuitare in un gioco gaddiano,

In questa dimensione il linguaggio si scrolla di dosso tutta l’accademica bronzatura, e tutta la pesante armatura del dover significare in modo univoco . La sua parola è veloce, agile: fa capriole, ha l’argento vivo dell’enfant terrible, ruba grappoli di luce al cielo della poesia, donandoli con generosità. Riesce a ritrovare la forza divulgativa della scienza nella sua poesia, colorandola e sfumandola con nuances tenui; riesce a suonare, parlando, emozionanti pianissimo. Ha, con la sua voce, lo stesso struggente spirito di Beethoven nel film Amata immortale, che suonava il Chiaro di luna con l’orecchio attaccato al pianoforte, per “sentire” la vibrazione della sua musica. Ecco, l’autrice vuole far sentire le sue parole, vuole ricreare l’atto stesso, il terremoto emotivo che le hanno generate; le modella, le plasma in corpi sempre cangianti.

Il senso del tatto aleggia in tutto lo spettacolo, come una forza di attrazione misteriosa e invincibile, un desiderio di voler percepire anche con la pelle la poesia, sentirne l’immediatezza corporea, così come sensazioni corporee erano le estasi delle sante e dei santi. E, di nuovo, un misterioso sorriso si palleggia da un’interprete all’altra, contagiando i due artisti e tutti gli spettatori. Si realizza il miracolo di vedere La dama con l’ermellino condividere il misterioso arcuarsi delle labbra della Gioconda. E’ l’immediata, indeterminata, enigmatica chiosa al bisogno d’amore che viene comunicato in ogni verso poetico. Il lungo applauso finale, qui più che mai, diventa abbraccio, che il pubblico tutto tributa a ogni interprete di questa riuscitissima esperienza.

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VERLAINE+RIMBAUD – Recensione Teatro

Pubblicato il 27 Maggio 20215 Giugno 2021 in Teatro di Danilo Caravà

Foto della recensione Verlaine+Rimbaud — Ph Emma Terenzio

Nell’ambito della rassegna teatrale di Pacta dei Teatri vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo VERLAINE+RIMBAUD (Un’ora all’Inferno con te) di Maddalena Mazzocut-Mis, dalle liriche di Verlaine e Rimbaud, interpretato da Alessandro Pazzi ed Edoardo Rivoira. La regia è curata da Annig Raimondi, e la voice off è quella di Massimiliano Zavatta. Diciamolo subito, questo spettacolo, con il piglio di un Antigone, vuole raccontare l’assoluto, quell’universale che gronda dal verso poetico, dalla poesia simbolista, e lo fa passando attraverso il corpo e la voce dei due interpreti. Fin dall’antichità gli esseri che sono scelti dagli dei per diventare la loro lingua umana, per tradurre le loro parole, sono condannati ad una irriducibile diversità, ad una malattia metafisica cronica che gronda anima. Rimbaud e Verlaine, attraverso la loro presenza, sono, prima di tutto, la loro corporalità, che diventa una sorta di coreografia, perché il corpo è già un primo segno grafico, una calligrafia che scrive faticose parole esistenziali. Sembrano gli ultimi pezzi di una scacchiera, i due re che ostinatamente continuano una partita, la quale non può che risultare patta, lo scaccomatto, semmai, se lo daranno autonomamente. È la storia di un “odi et amo” catulliano.

Esprime una liason che non può che essere dangerouse, perché ha come terzo amante la poesia stessa. La luce taglia a rasoiate lo spazio, lo fa sanguinare, cerca l’altro, si sforza di far intuire paesaggi diversi, metafisici. E quel busto in scena racconta benissimo il senso si straniamento, di solitudine del poeta, che, al pari dell’albatros di Baudelaire, quando è costretto a muoversi sulla terra, tra la prosaicità della vita, caracolla goffamente, magari, similmente a Rimbaud, cercando nell’Africa del “hic sunt leones” un inconscio kurtziano, un cuore di tenebra con cui poter regolare finalmente gli ultimi conti. In fondo la loro coppia rappresenta l’eraste e l’eromene, l’antico amore didattico tra il giovane e l’uomo maturo. Ma qui ad insegnare il caos di Dioniso sembra essere Rimbaud, che dell’Alcibiade del Simposio ha l’ebbrezza procuratagli da una bottiglia di assenzio, e Verlaine di Socrate ha la tentazione di sorseggiare la cicuta.

Spera di poter guarire definitivamente dalla malattia esistenziale. Ed intanto si parlano con le loro poesie, che, attraverso la voce fuori campo, vivono anche nell’originaria lingua francese, ed è una piacevole scoperta quella di poter assaggiare la matericità di questo suono. Non è un caso che lo specchio, sia esso un piccolo cerchio, o uno grande in grado di abbracciare l’intera figura, incarni la presenza scenica in grado di diventare l’irresistibile forza di gravità per i due personaggi. Questo oggetto mi ricorda i versi letti alla Lady Lyndon cinematografica: “Les coeurs l’un par l‘autre attirés/se communiquent leur substance/ tels deux miroirs ardents…”, i cuori si comunicano la loro sostanza come possono fare due specchi ardenti, i due poeti si trovano e si perdono nel gioco dell’identità dello specchio, che ci restituisce insieme l’identità e l’altro. Lo specchio rimanda etimologicamente al “guardare”, è l’oggetto atto a guardare ed insieme a guardarsi.

Diventa l’antico strumento fiabesco delle proprie brame, lo interrogano su chi sia la più bella del reame, ma la risposta invariabilmente è: “la poesia”, e la vita è condannata ad essere la prosa, la eco di una luce superiore, di un’illuminazione che riposa sul foglio. È brava la regista Annig Raimondi a creare una sorta di coreografico e delicatissimo pas de deux, dove i corpi stessi dei poeti diventano simbolo, si cercano, si trovano, si respingono, ma non riescono ad allontanarsi definitivamente, si danno significato reciproco attraverso questa dolorosa dialettica. Per raccontare i vasti orizzonti metafisici del panorama poetico dei due personaggi, riesce a straniarli, riuscendo nell’impresa di vestire Brecht della seta della poesia simbolista. Torreggiano sulla scena, danno senso allo spazio intorno a loro, costruendo continue distanze, geometrie dinamiche. Giocano coll’allontanarsi/avvicinarsi come l’Hans freudiano fa con il suo rocchetto.

E davvero il loro gioco serio e tragico, va al di là del principio dl piacere, ed ad un certo punto il rocchetto diventa il grilletto della pistola di Verlaine rivolta contro Rimbaud, la tentazione della “mortido”, Thanatos strattona decisamente Eros, e fatalmente lo fa cadere. Alessandro Pazzi, l’interprete di Verlaine, riesce a graffiare ed accarezzare con i suoi fonemi, si lascia abitare dalle parole, fa decisamente percepire allo spettatore quanto sia dolce naufragare in questo mare. Più che l’anima di un singolo personaggio incarna quella delle liriche, s’immedesima nel verso diventando una sorta di Pizia, di oracolo posseduto da una voce divina. Si avverte tutta l’urgenza non di limitarsi ad interpretare la poesia, ma di essere quella luce lirica, fonema dopo fonema, gesto dopo gesto. Edoardo Rivoira è un perfetto Rimbaud che esprime nella sua vocalità i suoi pugni nelle tasche sfondate.

La sua dinamite anarchica nei confronti di un mondo farisaico, troppo piccolo per contenere la sua poesia, si incontra e si scontra con Verlaine, diventa un suo doppio, incarna il Dioniso che intossica il suo amante poeta. Ma soprattutto parla con il corpo, ne fa una sorta di pietà scultorea, di estremo verso poetico scritto, inciso, nella carne, nei muscoli, nei nervi e nei tendini. I due poeti passano la loro stagione all’inferno, ed il grido per le ustioni di quel calore diventa la loro poesia. Come i personaggi di Sartre sanno che l’inferno sono gli altri, ma nel gioco dello specchio comprendono che quell’inferno è l’immagine che l‘altro rimanda di se stessi. E sugli applausi finali, caldi e particolarmente generosi, idealmente riescono, insieme agli spettatori, a rivedere le loro stelle.

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